Wonder Woman: La Principessa Bondage che il Femminismo Non Merita (e Viceversa)

Un'analisi brutale e scorretta sull'eroina più ipocrita della DC Comics

Ok, mettiamo le cose in chiaro subito.

Wonder Woman è una schifezza. È un'icona femminista creata da un uomo con un fetish per il bondage, cresciuta da donne che litigano su chi deve possederne il cadavere culturale, e portata al cinema da una modella israeliana che recita come un mobile IKEA mal assemblato.

Eppure tutti la amano. Tutti ne parlano come se fosse la risposta a tutti i problemi del patriarcato. Tutti si commuovono quando esce la musichetta epica e lei si mette a fare la piroetta in slow motion.

Ma se gratti la superficie, sotto c'è solo fango, contraddizioni e una storia di ipocrisia lunga ottant'anni.

Benvenuti nell'analisi che nessuno vuole scrivere.

Partiamo dal principio. Siamo nel 1941. L'America è in procinto di entrare in guerra, i fumetti sono pieni di muscoloni che menano nazisti, e un certo William Moulton Marston, psicologo di Harvard con tre lauree e un ego smisurato, viene chiamato come "consulente educativo" dalla All-American Publications.

Perché? Perché i genitori americani si preoccupano: i fumetti sono troppo violenti. Troppa mascolinità raccapricciante, dice Marston. Servirebbe un personaggio femminile per ingentilire il mezzo.

E così, insieme al disegnatore Harry G. Peter, partorisce Wonder Woman.

Sembra la solita storia dell'eroina buona, vero? Peccato che Marston non fosse esattamente il tipo da tazza di tè e buoni sentimenti.

Marston viveva in un ménage poliamoroso con sua moglie Elizabeth Holloway (psicologa e avvocato in carriera) e la sua amante Olive Byrne (ex studentessa, poi casalinga, nipote dell'attivista Margaret Sanger).

Tre donne per un uomo. Due che lavorano, una che sta a casa a crescere i figli (quattro in totale, due per madre). Una sistemazione che oggi chiameremmo "famiglia allargata progressista", ma che all'epoca andava tenuta segreta: per i vicini, Olive era semplicemente "la tata".

Ora, io non ho nulla contro il poliamore. Ognuno si arrangia come può. Ma quando questo è lo stesso uomo che teorizza la superiorità morale delle donne e la prossima ascesa del matriarcato, viene da chiedersi: stai costruendo un'utopia femminista o un harem intellettuale?

Marston, nella sua brillante carriera, aveva inventato una delle componenti del poligrafo, la macchina della verità. E questa invenzione la trasferì direttamente nel fumetto: il Lazo della Verità, che costringe chiunque vi sia avvolto a rivelare i propri segreti più oscuri.

Simbolo di trasparenza? Richiamo alla scienza? Certamente.

Peccato che Marston avesse anche una passione privata per il bondage. Nelle sue stanze private, si dedicava a giochi di ruolo, sottomissione e legacci di vario genere.

E indovina un po'? Nelle prime storie di Wonder Woman, l'eroina deve continuamente liberarsi da situazioni in cui l'hanno legata. E il Lazo, guarda caso, si avvolge intorno ai corpi dei nemici.

Coincidenze? Io non credo.

Come scrive giustamente Rivista Studio, c'è un "fossile dell'inconscio autoriale" in tutto questo. Un uomo che guarda Wonder Woman oggi può sentirsi chiamato a partecipare a "una fantasia di inversione di ruolo, di sottomissione" che ha "molto più a che fare con il sesso che con la politica".

Ma di questo, ovviamente, nessuno parla. Meglio concentrarsi sulla "forza femminile" e sul "messaggio di amore per l'umanità".

Marston muore nel 1947. Sua moglie Elizabeth si presenta dalla DC e chiede di poter continuare il lavoro del marito.

Risposta: no, grazie. Preferiamo un uomo. Si chiama Robert Kanigher.

E qui comincia il declino. Kanigher trasforma Wonder Woman in:

• Star del cinema

• Modella

• Baby sitter

• Fidanzata devota

Tutti ruoli più adatti a una signora, per l'epoca.

Alla fine degli anni '60, il colpo di grazia: Wonder Woman rinuncia ai suoi poteri pur di rimanere con il fidanzato. Dismette il costume, si fa chiamare Diana Prince, e per non farsi mancare nessun cliché, apre una boutique.

Una boutique. La principessa guerriera delle Amazzoni, la figlia di Zeus, colei che dovrebbe combattere il patriarcato... apre una boutique.

Non rappresenta più una critica alla società patriarcale: è un ingranaggio del sistema.

Bisogna aspettare gli anni '70 perché Gloria Steinem e altre intellettuali femministe decidano che forse, forse, Wonder Woman meritava di meglio.

La copertina del primo numero di Ms. Magazine (1972) la ritrae con il titolo: "Wonder Woman for President".

Peccato che, 50 anni dopo, quel traguardo specifico non sia ancora stato raggiunto. Ma questa è un'altra storia.

Nel 1975 arriva la serie tv con Lynda Carter, che diventa l'incarnazione più famosa del personaggio. Carter è statuaria, bella, perfetta. E la sua Wonder Woman è un "modello irraggiungibile". In cambio della popolarità, deve cedere un po' di umanità.

Nel 1985 arriva Crisis on Infinite Earths, il grande reset dell'universo DC. Lo sceneggiatore Marv Wolfman e il disegnatore George Pérez azzerano tutto e riscrivono le origini di Wonder Woman.

Pérez fa un lavoro straordinario: riporta Diana alle sue radici mitologiche, la lega agli dèi greci, le dà una dignità che aveva perso da decenni. Molti considerano questa fase (una sessantina di numeri) la migliore mai realizzata.

Ma anche Pérez, per quanto bravo, deve fare i conti con il problema di fondo: Wonder Woman è un personaggio che non sta mai fermo, che viene continuamente reinterpretato, plasmato, distorto.

Negli anni '90, per aumentare le vendite, Wonder Woman viene disegnata con un tanga. Perché, si sa, il sesso vende.

Poi, quando si accorgono che forse è troppo, le mettono i pantaloni. Con risultati disastrosi: il design di Jim Lee con le spallone esagerate fa discutere, ma non risolve il problema di fondo.

Come dice giustamente Elisa McCausland, esperta di fumetto e femminismo: "L'uniforme risponde a un contesto, anche a una sublimazione simbolica. Cosa mi importa se le metti i pantaloni, se la sua avventura non è trascendente da un punto di vista femminista?".

Parole sante.

E arriviamo ai giorni nostri. Al cinema.

Gal Gadot è israeliana, ex modella, ex soldatessa delle Forze di Difesa Israeliane. Viene scelta per interpretare Wonder Woman in Batman v Superman (2016) e poi nel film solista del 2017 diretto da Patty Jenkins.

Il film è un successo stratosferico. Record di incassi per una regista donna: 100 milioni di dollari nel weekend di apertura, superando 50 sfumature di grigio. Il pubblico impazzisce. La critica si commuove. Tutti parlano di "film necessario", di "simbolo femminista", di "nuova era".

Ma c'è chi non ci sta.

James Cameron, il regista di Terminator 2 e Avatar, dice chiaramente che Wonder Woman è "un passo indietro". Perché? Perché secondo Cameron, Gadot è troppo bella, troppo perfetta, troppo "icona cosificata". Mentre la sua Sarah Connor (Linda Hamilton in Terminator 2) era una donna vera, segnata, autentica.

E Cameron non ha tutti i torti.

Wonder Woman al cinema è una sventola perennemente in posa. Anche quando interpreta la "goffa" Diana Prince, rimane bellissima. Anche quando combatte, è perfetta. Anche quando si arrabbia, è fotogenica.

Come dice Donnamoderna: "Nella più recente interpretazione cinematografica di Gal Gadot è perennemente sventola, ché in sala bisogna portarci i maschi come le femmine".

Nel 2007, anni prima del film di Jenkins, Joss Whedon (il creatore di Buffy e regista dei primi due Avengers) scrisse una sceneggiatura per un film su Wonder Woman. Non se ne fece nulla.

Nel 2017, dopo l'uscita del film con Gadot, quella sceneggiatura è stata diffusa online. Ed è esploso il putiferio.

Le donne che l'hanno letta l'hanno definita "sessista", "quasi depravata". La presentazione di Diana? "Formosa ma in forma come una curva disegnata". E c'è una scena in cui la ragazza prende parte a una "danza sensuale, eterea e maliziosamente sexy".

Insomma, Whedon aveva semplicemente scritto quello che molti pensano ma non dicono: Wonder Woman è un oggetto del desiderio travestito da eroina. E per fortuna quel film non si è fatto.

Ma la domanda sorge spontanea: il film con Gadot è davvero così diverso? O è solo meglio confezionato?

La periodista e ricercatrice spagnola Elisa McCausland, autrice del libro Wonder Woman. Il femminismo come superpotere, è categorica: "La película de Wonder Woman sacrifica su esencia feminista".

Perché? Perché nel film, Diana diventa "uno strumento di Zeus". La sua indipendenza, la sua forza, la sua stessa esistenza vengono ricondotte a un dio maschio. Ancora una volta, il patriarcato vince.

McCausland sostiene che pochi autori hanno saputo vedere il "potenziale sovversivo" del personaggio. E che il film, nonostante le apparenze, è solo l'ultimo di una lunga serie di tradimenti.

Anche l'attrice spagnola Elena Anaya, in un'intervista, disse chiaramente che non credeva si trattasse di un film femminista.

L'Isola Paradiso (poi Themyscira) è il luogo dove Diana è cresciuta: un'isola abitata solo da donne, guerriere immortali, discendenti delle Amazzoni della mitologia greca.

Sembra un'utopia femminista. Ed è così che viene venduta.

Ma ragioniamoci un attimo. Un'isola di sole donne, bellissime, seminude, che combattono con spade e archi. Chi l'ha inventata? Un uomo. Per chi l'ha disegnata? Per un pubblico prevalentemente maschile. Con quale scopo? Vendere fumetti.

Nel 2024, un nuovo fumetto di Wonder Woman è stato criticato dai conservatori per "messaggi anticristiani e anticonservatori". Nella storia, un cattivo usa citazioni bibliche per controllare le menti, e Wonder Woman si libera dichiarando: "Non credo alle tue parole. Non credo al tuo Dio".

I conservatori si sono infuriati. I progressisti hanno esultato. E ancora una volta, Wonder Woman è diventata un campo di battaglia culturale.

Alla fine, il problema di Wonder Woman è questo: non sa mai cosa vuole essere.

Vuole essere un simbolo femminista? Allora perché è disegnata come una pin-up?
Vuole essere un modello per le bambine? Allora perché deve essere perennemente sexy?
Vuole combattere il patriarcato? Allora perché la sua storia è stata scritta quasi sempre da uomini?

Donnamoderna, in un articolo degli 80 anni del personaggio, coglie perfettamente il punto: "È proprio in questa tensione irrisolta tra autonomia e compiacenza che Wonder Woman rimane un simbolo attuale".

Perché il femminismo non ha vinto. Forse non ha neanche pareggiato. E ogni donna è chiamata a trovare un punto d'equilibrio tra la necessità di essere Wonder Woman (per sopravvivere) e la frustrazione che nel 2021 (e ora nel 2026) sia ancora necessario ispirarsi a un personaggio di fantasia.

Wonder Woman non è un'eroina. È un oggetto conteso.

I conservatori la odiano quando critica la Bibbia. I progressisti l'adorano quando combatte i nazisti. I maschi la guardano perché è bella. Le femmine la guardano perché vorrebbero essere come lei. I creatori la violentano con le loro ossessioni. Le attrici la interpretano come possono. Il pubblico la consuma come popcorn.

Nella sua storia di 85 anni (dal 1941 al 2026), è stata:

• Feticcio bondage per psicopatici

• Modella per ragazzini

• Baby sitter per famiglie perbene

• Boutiquiera fallita

• Guerriera mitologica

• Icona femminista

• Strumento di Zeus

• Sventola cinematografica

• Bandiera politica

Tutto e niente. Come una di quelle statue di cera che sembrano vive ma sono vuote dentro.

E il bello è che continuerà ad essere tutto questo. Perché Wonder Woman non è un personaggio: è uno schermo su cui proiettiamo le nostre ossessioni. E finché avremo ossessioni, avremo bisogno di lei.

Anche se, nel profondo, sappiamo che è solo una principessa bondage inventata da un uomo con tre mogli e una passione per le manette.

Ma di questo, ovviamente, non si parla. Meglio concentrarsi sulla musichetta epica e sulla piroetta in slow motion.

Oltre la Tecnica: La Brutale Verità sul "Maestro" Batman

Quando si parla di Batman e arti marziali, la narrazione standard è sempre la stessa: il fiore all'occhiello dei supereroi senza poteri, l'uomo che ha trasformato il suo corpo in un'arma letale attraverso decenni di addestramento. Ci viene detto che conosce centinaia di stili, che è uno dei migliori combattenti del pianeta, che può tenere testa a chiunque. E in larga parte, è vero.

Ma fermiamoci un attimo a riflettere su cosa significhi veramente. Perché la realtà, se ci togliamo gli occhiali da fanboy, è molto più complessa e molto più interessante.

Partiamo dal numero che gira ossessivamente online: Batman conosce 127 stili di combattimento diversi . Lo avete letto tutti. Sembra impressionante, vero? Poi uno ci pensa: 127. Ma cosa significa "conoscere" uno stile? Significa averlo studiato per qualche mese durante i suoi viaggi? O significa averne assimilato l'essenza, la filosofia, le applicazioni in combattimento reale?

La verità è che il numero è solo un espediente narrativo per dire: "Batman ha studiato tutto quello che c'era da studiare". Nella pratica, nessun essere umano, per quanto dotato, può padroneggiare 127 discipline al livello di un maestro specializzato. Bruce Wayne non è un combattente che conosce 127 stili. È un combattente che ha creato il suo stile attingendo da 127 fonti diverse . La differenza è sottile ma sostanziale.

Guardiamo la lista dei suoi insegnanti: da Chu Chin Li, il "maestro del dolore" che gli ha insegnato a dominare la sofferenza fisica con tecniche di agopuntura estrema, a Tsunetomo, il maestro ninja della Yakuza che gli ha trasmesso l'arte dell'invisibilità e dell'infiltrazione . Da Kirigi, che nelle continuity successive diventa il sensei per eccellenza, a Henri Ducard, il cacciatore di uomini che gli ha insegnato a tracciare un bersaglio e a pensare come un predatore . E ancora: Richard Dragon, Ra's al Ghul con la sua Lega degli Assassini .

Batman non è il prodotto di una scuola. È il prodotto di un accumulo forsennato di conoscenze, spesso contraddittorie, provenienti da maestri che spaziavano dal santo filosofo all'assassino prezzolato. E questo ha un prezzo.

Analizziamo il suo approccio al combattimento. La boxe gli dà potenza esplosiva e la capacità di incassare . Il Muay Thai gli regala colpi devastanti con ginocchia e gomiti . Il Judo e il Jiu-Jitsu lo rendono letale nelle proiezioni e nelle leve . Il Krav Maga gli fornisce la brutalità essenziale e la filosofia "colpisci per primo e colpisci più forte" . Il Ninjutsu gli insegna a sparire nell'ombra . La Capoeira, con le sue finte e i suoi movimenti ingannevoli, lo rende imprevedibile .

Il risultato? Uno stile sporco, brutale, efficiente. Ma non "puro". Un maestro di Karate tradizionale guarderebbe Batman combattere e storcerebbe il naso. Un purista del Jiu-Jitsu vedrebbe le sue leve e le troverebbe "sporche", eseguite con una forza bruta che va oltre la tecnica. E qui arriva il punto: Batman compensa con la forza fisica e la determinazione ciò che gli manca in purezza tecnica.

Perché diciamocelo: se mettiamo Bruce Wayne contro un maestro specializzato in una singola disciplina, in quello specifico ambito lui probabilmente perderà. In una gara di calci, un maestro di Taekwondo lo surclassa. In una gara di proiezioni, un campione di Judo lo mette a tappeto. Ma Batman non combatte in gare. Lui combatte per strada, sui tetti, contro avversari che tirano pugni e ti sparano.

E lì, la sua mostruosa sintesi diventa la sua forza. Perché lui non ha le catene di una singola scuola. Può passare dalla potenza della boxe alla fluidità del Kung Fu, dalla brutalità del Krav Maga alle leve del Jiu-Jitsu, il tutto in una frazione di secondo . È imprevedibile perché è un mosaico vivente.

E poi arriva Tom King, sceneggiatore di Batman, e butta lì una classifica che fa imbestialire i fan: nel combattimento corpo a corpo all'interno della Bat-Family, Bruce è solo terzo. Davanti a lui ci sono Cassandra Cain e Dick Grayson .

Leggete bene. L'allievo ha superato il maestro. Dick Grayson, cresciuto come acrobata fin da bambino e addestrato da Bruce fin dall'adolescenza, ha una coordinazione e una fluidità che Bruce, con tutto il suo allenamento, non potrà mai eguagliare. E Cassandra Cain, addestrata letteralmente dal giorno della nascita a leggere il linguaggio del corpo e a combattere, è semplicemente su un altro pianeta .

Questo è il tasto dolente. Bruce Wayne non è un talento naturale del combattimento. È un uomo con una volontà di ferro che ha letteralmente ricostruito se stesso pezzo per pezzo. Non ha l'eleganza innata di Nightwing, non ha la programmazione letale di Cassandra. Lui ha il sudore, il sangue e la determinazione. Vince perché si è rotto il culo più di chiunque altro, non perché sia "nato" per farlo.

Quindi, quali arti marziali ha imparato Batman? Tutte. Ma la domanda giusta non è "quante", ma "perché". Perché ha passato anni della sua vita a farsi spezzare le ossa da maestri sadici in ogni angolo del pianeta? Perché ha trasformato il suo corpo in un laboratorio vivente di tecniche di combattimento?

La risposta è una sola: per non sentirsi mai più impotente. Per non rivivere mai più quella notte a Crime Alley.

Il suo stile di combattimento non è un'arte, è una terapia. È l'espressione fisica di un trauma infantile trasformato in ossessione. Bruce non combatte come un artista marziale, combatte come un uomo che ha paura. Paura di non essere abbastanza forte, abbastanza veloce, abbastanza preparato.

E forse è per questo che, nonostante tutti i suoi limiti tecnici, Batman è così dannatamente efficace. Perché mentre il suo avversario segue le regole di una disciplina, lui segue solo una regola: sopravvivere. E in quella sopravvivenza, ha sintetizzato il meglio (e il peggio) di ogni arte marziale che l'uomo abbia mai creato.

Non è un maestro. È molto di più. È l'incubo vivente di chiunque osi infrangere la legge a Gotham. E tutto questo, partendo da zero, con solo la sua rabbia e un'eredità in banca.

Sotto la Maschera: La Brutale Verità sul "Combattente" Spider-Man

Smettiamola di raccontarcela. Quando si parla di Spider-Man, il fan medio si immagina ragnatele, acrobazie e una sfilza di nemici messi K.O. con un pugno ben piazzato. La narrazione popolare lo dipinge come un combattente formidabile, un prodigio dell'azione. Ma se togliamo il velo patinato dei fumetti e dei film, e analizziamo la cosa con onestà brutale, il quadro che emerge è molto diverso, e forse molto più interessante.

Spider-Man NON è un combattente. Non nel senso stretto del termine. È un sopravvissuto. Mettiamo subito in chiaro una cosa: Peter Parker non ha mai avuto un giorno di training formale in vita sua. Non è un maestro di arti marziali come Iron Fist o Shang-Chi. Non è stato addestrato fin dall'infanzia come Capitan America o Batman. Non è un soldato addestrato al corpo a corpo come il Punitore. Peter è un ragazzo del Queens che un giorno è stato morso da un ragno radioattivo e ha ricevuto un pacchetto di poteri che lo ha trasformato in qualcosa di unico.

La sua "abilità di combattimento" si basa su tre pilastri: il fattore Spider-Sense, la forza sovrumana e l'agilità paraumana. Punto. Tutto il resto è fuffa, improvvisazione e pura disperazione.

Analizziamo i fatti:

La Stampella chiamata "Spider-Sense": Senza di essa, Peter Parker durerebbe cinque secondi in uno scontro serio. Non è abilità, è un riflesso condizionato pre-cognitivo. È un GPS che gli dice "schivato a sinistra, testa di cazzo". Lui non "legge" il combattimento come un pugile esperto; il suo corpo reagisce prima ancora che il suo cervello capisca cosa stia succedendo. È il cheat code definitivo, non il frutto di disciplina o tecnica.

La Tecnica del "Pugno Pesante": Per anni, la strategia di Peter in mischia è stata una: prendere botte a non finire, avvicinarsi abbastanza e piazzare un destro che nemmeno un rinoceronte sentirebbe. Funziona? Spesso sì. È arte marziale? No. È una rissa da bar con superpoteri. Affida tutto alla forza bruta, alla resistenza e alla speranza che il suo avversario cada prima di lui. Contro tipi tosti come Kingpin o Scorpion, questa tattica è spesso una rouletta russa dove lui è quello che sanguina di più.

L'Acrobazia come Fuga: Saltare e volteggiare tra i palazzi è spettacolare, ma in uno scontro confinato è spesso una mancanza di controllo. Peter usa l'ambiente come un flipper, rimbalzando per creare confusione, non per applicare una tecnica precisa. È un modo per non stare fermo e diventare un bersaglio facile. La sua mobilità è la sua più grande risorsa, ma anche l'ammissione implicita che non ha le basi per sostenere uno scambio di colpi a viso aperto con un avversario competente.

Prendiamo i momenti in cui la maschera cade e vediamo il vero Peter Parker in difficoltà. Mettetelo in una stanza con un soldato normale ma addestrato, come Frank Castle. Il Punitore, che di tecnica ne ha da vendere, lo smonta. Lo porta al suo gioco, lo costringe a combattere sporco, a prevedere le mosse, e per quanto Peter abbia il fattore ragno, Castle trova il modo di metterlo all'angolo, di fargli male, perché per lui combattere è una scienza, per Peter è un istinto animale.

Quindi, qual è la verità brutale?

Spider-Man è uno dei combattenti più sopravvalutati dell'universo Marvel. Le sue "vittorie" non arrivano grazie a una superiorità marziale, ma grazie a una combinazione geneticamente superiore e a una volontà di ferro incrollabile. È un combattente terribile perché non deve essere bravo. I suoi poteri gli permettono di compensare la sua totale mancanza di tecnica.

Non è il guerriero che vorremmo farci credere. È un atleta fenomenale con un sistema di allarme incorporato che lancia pugni da ubriaco finché qualcosa non cade. Ed è proprio questo che lo rende così pericoloso. Non sai mai cosa aspettarti, perché nemmeno lui lo sa. La sua mancanza di tecnica lo rende imprevedibile. Ma non chiamiamola abilità. Chiamiamola per quello che è: istinto puro, sacrificio e la capacità di rialzarsi sempre, anche quando la sua "tecnica" fa schifo al cazzo.

Themyscira: La Società Perduta Che Vive Oltre il Tempo

Quando si parla di Themyscira, l’immaginario collettivo evoca guerriere invincibili, architetture classiche e il mito di Wonder Woman. Tuttavia, ridurre l’isola a un semplice palcoscenico per scontri eroici è un errore. Themyscira non è solo un luogo di leggende: è una società complessa, un laboratorio culturale e politico che sfida tutte le convenzioni umane. Osservarla da questa prospettiva permette di comprendere come la civiltà possa organizzarsi in maniera totalmente diversa dalle nostre strutture patriarcali e tecnologiche.

Themyscira non è un’isola come le altre. Le sue coste non sono semplici barriere naturali, ma strumenti strategici che modellano la vita sociale. Le barriere coralline, le scogliere e le correnti rendono l’accesso quasi impossibile per gli estranei, proteggendo l’ecosistema umano e la cultura amazzonica dall’influenza esterna. L’isola funziona come un microcosmo isolato: ogni risorsa è pianificata, ogni movimento calcolato.

Questa geografia non è solo difensiva: influenza l’economia, la distribuzione della popolazione e persino la filosofia amazzonica. Le guerriere imparano a leggere il vento, il mare e la luce, trasformando l’ambiente naturale in una scuola di tattica e disciplina sin dalla nascita. In altre parole, la geografia stessa educa e forma cittadini straordinari.

Contrariamente a quanto spesso narrato, Themyscira non è una società matriarcale improvvisata. Esiste una gerarchia chiara, basata su capacità, esperienza e responsabilità. Le giovani amazzoni iniziano come apprendiste: studiano storia, filosofia, arti marziali e diplomazia. Non esistono privilegi basati su nascita o lignaggio divino; ogni cittadina deve meritarsi il proprio ruolo attraverso disciplina, coraggio e conoscenza.

La gerarchia non reprime l’individualità, ma la incanala verso obiettivi comuni: protezione dell’isola, preservazione della conoscenza e preparazione di ambasciatrici capaci di interagire con il mondo esterno. In questo senso, Themyscira è un esempio di meritocrazia estrema, ma equilibrata: potere e responsabilità vanno di pari passo, senza favoritismi.

Ogni amazzone cresce con la consapevolezza che il corpo è uno strumento, e la mente il suo timone. L’allenamento fisico non è solo per il combattimento: è parte integrante di una filosofia educativa complessa che unisce agilità, strategia e resilienza psicologica.

Il combattimento, qui, non è spettacolo: è disciplina e meditazione. L’arte della guerra amazzonica unisce tattiche militari antiche a tecniche di adattamento rapido, rendendo le guerriere capaci di reagire a minacce in modi che vanno ben oltre la forza bruta. Ogni mossa è studiata per essere efficace, ogni gesto porta con sé tradizione e cultura.

Themyscira funziona come un ecosistema economico autosufficiente. Non esistono valute o commerci tradizionali. Le risorse sono condivise secondo bisogni e meriti, e la produzione è distribuita per garantire equilibrio ecologico e sociale. Agricoltura, artigianato, medicina e costruzione non sono solo professioni: sono doveri civici che mantengono la società in perfetta armonia con l’ambiente.

Questa economia è un esempio di sostenibilità integrata: ogni risorsa naturale viene utilizzata con criterio, e ogni produzione rispetta un equilibrio delicato tra utilizzo e rigenerazione. Non è solo efficienza: è una filosofia di vita che trasforma ogni cittadina in custode e promotrice di equilibrio.

I miti amazzonici non sono solo storie: sono strumenti educativi. Ogni leggenda, ogni rituale, trasmette valori civici, etici e sociali. Le divinità, come Atena o Artemide, non sono figure astratte, ma simboli viventi di conoscenza, coraggio e giustizia.

Il mito diventa un codice etico, una guida pratica per decisioni individuali e collettive. Ogni guerriera, attraverso rituali e racconti, interiorizza principi che governano comportamento, leadership e resilienza. In altre parole, la religione a Themyscira è funzionale, ma profondamente umana: modella la società senza oppressione.

Nonostante l’isolamento, Themyscira mantiene canali di contatto selettivi con il mondo esterno. Le ambasciatrici sono addestrate non solo al combattimento, ma anche alla negoziazione e all’analisi geopolitica. Wonder Woman stessa incarna questo equilibrio: capacità di difesa e comprensione politica vanno di pari passo.

Questo approccio dimostra una visione avanzata di sicurezza nazionale: l’isola non è chiusa per paura, ma per controllo strategico. La conoscenza del mondo esterno serve solo per proteggere e adattare la società amazzonica senza comprometterne l’identità.

La forza di Themyscira non sta solo nelle guerriere, ma nella coesione del gruppo. La socializzazione avviene attraverso attività condivise, educazione congiunta e responsabilità collettiva. La psiche della comunità è modellata per resilienza, empatia e disciplina.

Le crisi vengono affrontate come opportunità di crescita. Anche la guerra e la minaccia esterna sono viste come prove per rafforzare la società. L’allenamento mentale e fisico non prepara solo alla difesa, ma alla capacità di sopravvivere e innovare in condizioni estreme.

La vera lezione di Themyscira non è la potenza delle amazzoni, ma l’esistenza stessa di un modello sociale alternativo. È un esempio estremo di:

• Meritocrazia calibrata sulla capacità individuale

• Economia sostenibile e autarchica

• Educazione integrata corpo-mente

• Religione e mito funzionali alla società

• Diplomazia selettiva per protezione culturale

In questo senso, l’isola diventa uno specchio per il nostro mondo: ci sfida a pensare se la civiltà possa funzionare su principi diversi, e fino a che punto il controllo, la disciplina e la cultura condivisa possano sostituire il caos della società tradizionale.

Se osservata come laboratorio sociale e culturale, Themyscira smette di essere un luogo fantastico popolato da supereroi e diventa un esperimento narrativo sulla resilienza umana, sull’equilibrio tra libertà individuale e responsabilità collettiva, e sulla sostenibilità sociale.

L’isola ci invita a riflettere: cosa accadrebbe se la nostra società adottasse principi di merito, disciplina e equilibrio ecologico così rigorosi? Quanto la psiche collettiva e la cultura possono modellare individui capaci di straordinaria efficacia senza perdere umanità?

Themyscira non è solo un mito da leggere nei fumetti: è una possibilità narrativa, un esempio di come civiltà avanzate possano esistere al di là della logica e della storia conosciute. È una civiltà che funziona, che impara, che protegge e che cresce, e la sua esistenza, anche solo sulla carta, è un invito a ripensare le nostre strutture sociali.

Genosha: Il Laboratorio Umano-Mutante Che Nessuno Ti Ha Mai Raccontato

Quando si parla di Genosha nei fumetti Marvel, l’immagine che subito emerge è quella di una nazione devastata: colonne di fumo, genocidio mutante, il silenzio di milioni di voci spezzate. Ma fermiamoci un attimo. E se provassimo a guardare Genosha non come un palcoscenico per scontri di supereroi, ma come un esperimento sociale, politico ed economico? E se il genocidio fosse solo la punta dell’iceberg di una macchina complessa costruita attorno a concetti di produttività, ordine e ingegneria sociale estrema?

Genosha nasce come isola-nazione indipendente nel Sud Est asiatico, governata inizialmente da Magneto e successivamente da un regime tecnocratico spietato. Ciò che colpisce è la precisione maniacale con cui viene organizzata: ogni mutante ha un ruolo, ogni capacità è catalogata e sfruttata. Non è un regno anarchico di mutanti in fuga, come molti lettori immaginano. È un’utopia distopica in cui la scienza sociale e la logica economica si intrecciano fino a diventare una gabbia invisibile.

Ogni mutante non è semplicemente un individuo: è una risorsa. La loro capacità di generare lavoro, protezione o produzione tecnologica è misurata, valutata, ottimizzata. Qui, la disuguaglianza non è di ricchezza ma di abilità: chi è utile sopravvive; chi non lo è, viene relegato, controllato, o peggio.

Mentre i giornali Marvel parlano di Genosha come di un regime totalitario, pochi si soffermano sul suo modello economico. L’isola era incredibilmente produttiva. Mutanti con forza sovrumana sollevavano carichi impossibili, mutanti telepatici ottimizzavano la logistica, mutanti con poteri industriali o energetici gestivano infrastrutture complesse. In termini pratici, Genosha era un organismo economico perfettamente calibrato.

Questa economia mutante non aveva bisogno di denaro: la valuta era il contributo individuale al sistema. Ogni cittadino aveva uno scopo, un ruolo chiaramente definito, e il successo del singolo dipendeva dal valore che apportava al collettivo. È un modello di meritocrazia estrema, ma distorto: la meritocrazia qui non si basa sul talento umano o sociale, ma sull’abilità genetica innata. L’equazione è semplice: più sei utile, più sopravvivi; meno sei utile, più diventi marginale. Non esistono eccezioni. Non esistono secondi tentativi.

A differenza delle città moderne, Genosha non è pensata per il comfort o la cultura popolare: è progettata come un sistema di controllo. Le infrastrutture urbane sono costruite per ottimizzare la produttività e ridurre le possibilità di ribellione. Sorveglianza continua, divisione in settori secondo capacità mutante, architettura che favorisce il monitoraggio: ogni aspetto della vita quotidiana è modellato per ridurre al minimo l’errore umano.

La politica del regime sembra crudele perché lo è, ma è anche logica se vista da una prospettiva di ingegneria sociale. Eliminare il caos significa eliminare chi non contribuisce. Lo stesso concetto, trasposto nel mondo reale, ricorda gli esperimenti sociali di città totalitarie o colonie industriali estreme, ma amplificato a livelli genetici. 

È qui che Genosha diventa un laboratorio antropologico affascinante. Ai mutanti non manca la libertà apparente: possono scegliere come vivere, con chi interagire, perfino quando lavorare entro certi limiti. Ma ogni scelta è vincolata da condizioni genetiche e produttive. La libertà diventa un’illusione controllata: scegliere significa ottimizzare se stessi per il sistema.

In questo senso, Genosha anticipa temi moderni di bioetica e controllo tecnologico. Telemetrie genetiche, misurazioni di performance, sistemi di sorveglianza invisibili: tutti elementi che oggi troviamo nei dibattiti su IA, controllo dei dati e gestione predittiva degli individui. Genosha era un precursore narrativo di un mondo in cui il valore di un essere umano non si misura più in emozioni o diritti, ma in output misurabile.

Il lato più trascurato di Genosha è la psiche collettiva dei suoi cittadini. Crescere in un contesto dove la tua utilità è il tuo destino scolpisce comportamenti profondi: obbedienza ritualizzata, paura latente, competitività estrema. Qui, il concetto di comunità è distorto: l’unità sociale esiste solo perché funziona come sistema produttivo. La solidarietà esiste finché serve al collettivo, e svanisce al primo errore. È un esperimento psicologico di scala nazionale, mai visto nel mondo reale.

Quando l’isola viene distrutta, spesso i media Marvel si concentrano sul dramma e sul numero di morti. Ma vediamo l’evento come un crash test sociale. Tutti gli equilibri che reggevano la società mutante collassano istantaneamente. Senza il sistema, senza la struttura, la produttività crolla, la paura emerge, la psiche collettiva si disintegra. È l’inevitabile fallimento di una società costruita su rigore assoluto e controllo genetico: senza la macchina che lo sostiene, l’essere umano non può sopravvivere.

La tragedia di Genosha non è solo un genocidio narrativo. È la conferma di quanto fragile sia la sperimentazione di società basate sulla sola utilità genetica.

Guardare Genosha come semplice palcoscenico di eroi e villain è riduttivo. Se proviamo a estrarre la lezione, emerge un interrogativo etico: può una società essere costruita interamente sulla produttività biologica? Dove il valore di un individuo è misurato da ciò che può fare, e non da chi è? La risposta di Marvel è narrativa, ma la domanda è concreta. In un futuro dove l’ingegneria genetica e l’IA controllano capacità, salute e lavoro, Genosha diventa un monito: il potere organizzativo estremo può creare efficienza, ma a quale costo umano?

Questa prospettiva apre un parallelismo sorprendente con il mondo reale. Aziende che tracciano ogni minuto dei dipendenti, città sorvegliate, società che misurano il successo solo in output e risultati: Genosha anticipa un possibile futuro distopico. L’analisi del suo fallimento offre lezioni precise: la centralità dell’individuo, la resilienza sociale, la libertà e la creatività sono imprescindibili, anche in una società altamente efficiente.

Al contrario di altre nazioni mutanti o città distopiche nei fumetti, Genosha non è solo un teatro di battaglie. È un organismo complesso, con:

• Economia interna basata su abilità genetiche

• Strutture urbane progettate per controllo e ottimizzazione

• Psicologia collettiva regolata dalla produttività

• Illusione di libertà in una gabbia funzionale

Questa combinazione di ingegneria sociale, economia, genetica e controllo psicologico rende Genosha unica, e incredibilmente rilevante per riflessioni sociologiche anche al di fuori del mondo dei fumetti.

Dopo la distruzione, Genosha non muore mai davvero nei fumetti. Viene ricostruita, ricontrollata, rielaborata. Questa resilienza narrativa riflette una verità più ampia: un sistema sociale basato su strutture estreme è fragile, ma la memoria culturale e genetica dei suoi cittadini persiste. Gli abitanti sopravvissuti diventano portatori di esperienze sociali uniche, codici genetici e culturali che nessun altra società mutante possiede. Genosha non è solo un luogo fisico, ma un laboratorio umano, dove la conoscenza traumatica e la disciplina estrema vengono trasmesse.

Vedendo Genosha sotto questa lente, smette di essere solo un simbolo di tragedia mutante. Diventa uno specchio della civiltà, un esperimento narrativo sulla relazione tra potere, produttività, biologia e libertà. La città ci obbliga a riflettere su cosa accade quando la società valuta gli individui solo per ciò che possono produrre e controllare, quando la psiche collettiva diventa un meccanismo funzionale e la libertà è calibrata come una variabile economica.

Genosha ci ricorda che ogni sistema costruito sulla perfezione biologica e sulla disciplina estrema è fragile, perché ignora l’imprevedibilità umana. È un monito per il mondo reale, dove tecnologia, genetica e sorveglianza stanno iniziando a plasmare la società in modi mai sperimentati prima.

Guardare Genosha in questa prospettiva è come guardare un ecosistema alieno: affascinante, pericoloso, educativo. Non ci sono eroi o villain, solo cittadini, strutture, regole e collassi. E nella lettura moderna del fumetto, questa visione ci offre una nuova dimensione: quella della sociologia mutante, del laboratorio umano estremo, del mondo costruito intorno alla capacità genetica, e di cosa succede quando l’uomo diventa solo funzione e output.

In questo senso, Genosha non è un fumetto: è un esperimento morale, sociale e biologico che nessuna accademia di scienze sociali potrebbe replicare. È il promemoria che la vita, anche tra mutanti con superpoteri, ha bisogno di caos, imperfezione e libertà per sopravvivere.

Ghiaccio contro Abisso: Chi Sopravvive Quando l’Oceano Incontra lo Zero Assoluto?

Lasciamo perdere i fumetti per un secondo. Dimentica i mantelli, i dialoghi pomposi, le pose epiche. Mettili nudi, senza poteri, in una gabbia. Sub-Zero e Aquaman. Uno congela, l’altro parla coi pesci.

Sembra una domanda scema, vero? Sembra il classico “chi vincerebbe tra un termometro e una scatoletta di tonno”. E invece no. Perché qui non stiamo parlando di due uomini. Stiamo parlando di due filosofie della violenza. Due modi opposti di intendere la sopravvivenza.

E io, che ho passato la vita a guardare uomini spezzarsi dentro una gabbia, ti dico: questa non è una gara di poteri. È una gara di istinto. Di ferocia. Di cosa sei disposto a fare quando l’altro ti guarda e non ha nessuna intenzione di arretrare.

Allora seduti. Il sangue scorre lo stesso, anche se è disegnato.

Partiamo dal più debole. Perché è giusto, è onesto, è chirurgico. Aquaman ha un problema gigantesco, e non sono i polmoni o la resistenza. È la reputazione.

Per decenni è stato il bischero della Justice League. Quello che parla con i pesci. Quello che monta i cavallucci marini. Quello che nei meme è l’ombra di Superman, Batman, Wonder Woman. Nella cultura popolare, Aquaman è l’uomo che perde. Sempre. Anche quando vince, ha la faccia di chi ha appena perso il portafoglio.

Ma qui non stiamo facendo un sondaggio tra casalinghe. Qui stiamo parlando di combattimento. E nel combattimento, la reputazione è un peso morto. Se entri nell’Ottagono sapendo che la gente ride di te, hai già perso mezzo round. Perché la sicurezza non è un accessorio. È l’armatura che non si vede.

Aquaman, nei fumetti seri, è un mostro. Ha forza sovrumana, resistenza abissale, può reggere la pressione delle fosse oceaniche, può strappare un sottomarino in due. Ma nella testa della gente – e forse anche nella sua – resta il ragazzo che chiede ai pesci di fare la spia. Questo lo rende vulnerabile. Non fisicamente. Mentalmente.

Sub-Zero, dall’altra parte, non ha questo problema. Sub-Zero è il gelo che cammina. È l’assassino che non parla, che non scherza, che non ha amici veri. La sua reputazione è talmente solida che il suo nome è già una sentenza. Non deve dimostrare niente a nessuno. Sa di essere letale. E questa certezza, in uno scontro, vale più di un tridente.

Ora entriamo nella parte sporca. I poteri.

Sub-Zero congela. Non raffredda, non intiepidisce, non mette in fresco la birra. Congela. Porta la temperatura a livelli che la materia organica non può sopportare. Blocca l’acqua, blocca l’aria, blocca il metallo. Se ti prende, sei una statua. E le statue non combattono.

Aquaman comanda l’acqua. Tutta. Oceani, mari, fiumi, laghi, la pipì del vicino. Se è liquido e salato, lui lo piega alla sua volontà. Ma c’è un problema gigantesco, grande come un iceberg: il ghiaccio non è acqua. È acqua allo stato solido. E Aquaman non ha mai dimostrato di comandare il solido. Comanda il fluido.

Questa è la crepa. Sub-Zero non ti lancia addosso onde. Ti lancia addosso cristalli. Blocchi. Muri. Lance di ghiaccio secco che ti trapassano prima che tu possa dire “Nettuno”. Aquaman può deviare? Può sciogliere? Forse. Con fatica. Con concentrazione. Ma nel tempo che impiega a trasformare il ghiaccio in acqua, Sub-Zero ne ha già creato altro.

È una guerra di risorse. Sub-Zero produce ghiaccio dal nulla. Aquaman manipola quello che c’è. In uno scontro in un ambiente neutro – diciamo una gabbia asciutta, senza mare, senza piscine – Aquaman parte già con un handicap. Il suo potere è enorme ma dipende dalla materia prima. Sub-Zero è la materia prima.

Nelle MMA c’è un concetto semplice: il range. Chi colpisce da lontano comanda. Chi deve entrare subisce.

Sub-Zero è un tiratore. Lancia proiettili di ghiaccio, crea trappole, congela il terreno sotto i piedi dell’avversario. La sua distanza ideale è quella in cui tu non puoi toccarlo e lui può farti a pezzi.

Aquaman è un combattonte corpo a corpo. Ha forza bruta, ha resistenza, ha un tridente che fora l’acciaio. Ma per usarlo deve avvicinarsi. Deve chiudere la distanza. Deve mangiare il gelo in faccia.

E qui viene il bello. Sub-Zero non è uno che aspetta. È uno che avanza. È uno che congela l’aria mentre si avvicina. Uno che ti toglie il respiro prima ancora di toglierti la vita. La sua strategia non è scappare. È rendere inutile il tuo avanzamento.

Aquaman può resistere al freddo? Forse. È un atlantideo, abituato alle profondità glaciali. Ma Sub-Zero non è il freddo del mare. È il freddo della morte. È l’assenza totale di calore. È quello che succede quando le molecole smettono di ballare. Non è un ambiente. È una fine.

Adesso lasciamo i poteri e parliamo di istinto.

Sub-Zero è un assassino. È cresciuto nel Lin Kuei, un clan di sicari che non conosce pietà. Ha ucciso, tradito, sofferto. Ha visto suo fratello morire. Ha combattuto contro sette divinità del tuono. Ha perso, ha vinto, è risorto. Non è un eroe. È un sopravvissuto congelato dentro.

Aquaman è un re. Ha responsabilità, un popolo, una moglie, un figlio. Ha un codice morale. Cerca di non uccidere, cerca di proteggere, cerca di mediare. È un uomo giusto in un mondo di squali.

E in un combattimento senza regole, l’uomo giusto perde sempre.

Non è un giudizio morale. È una constatazione fisica. La pietà rallenta i riflessi. Il rispetto per la vita ti fa esitare un decimo di secondo. E in un decimo di secondo, Sub-Zero ti congela la faccia e te la stacca dal cranio.

Aquaman non è debole. È frenato. Ha troppe cose da perdere. Sub-Zero no. Lui ha già perso tutto. Non gli resta che il dovere di finire il lavoro.

Immagina l’incontro. Gabbia asciutta. Nessun oceano nelle vicinanze. Aquaman entra con il tridente, la barba curata, lo sguardo regale. Sub-Zero entra con la maschera, gli occhi gelidi, le mani già pronte a sigillare il destino.

Primi secondi. Aquaman prova un affondo. Sub-Zero si abbassa, scivola, lancia un palla di ghiaccio. Aquaman la devia con il tridente, ma il freddo gli intorpidisce le dita. Arretra. Riavvolge.

Sub-Zero non gli dà respiro. Crea una lastra di ghiaccio sotto i piedi di Aquaman, che scivola, perde l’equilibrio. È giù. Sub-Zero avanza. Non parla. Non esulta. Solo lavoro.

Aquaman si rialza, furioso. Evoca un’onda d’acqua – da dove? Dalle condutture? Dall’umidità nell’aria? Non importa. L’acqua arriva, si avvolge intorno a lui, lo protegge. Sub-Zero la guarda. Un attimo. Poi allunga una mano.

L’acqua diventa ghiaccio. Intrappola Aquaman in una sfera trasparente. Lui scalpita, la rompe con la forza bruta, esce. Ma ha speso energia. Ha speso tempo. Ha speso fiato.

Sub-Zero è già dall’altra parte. Un calcio gelido, una presa, una leva. Acquaman combatte, è più forte, è più resistente, potrebbe sfondargli il petto con un pugno. Ma non lo prende. Perché Sub-Zero è veloce, è scivoloso, è imprendibile. E ogni volta che Aquaman manca, perde un pezzo di mobilità. Una caviglia congelata. Un gomito rigido. Le ciglia bianche di brina.

Alla fine, Aquaman cade in ginocchio. Non per sconfitta. Per esaurimento. Il freddo gli ha mangiato i muscoli, i nervi, la volontà. Sub-Zero gli è davanti, la mano tesa, l’ultimo respiro gelido pronto.

Aquaman alza il tridente. Vuole parlare. Vuole dire qualcosa di regale, di epico, di giusto.

Non fa in tempo.

Sub-Zero lo congela. Dalla testa ai piedi. Una statua di ghiaccio blu, con la barba ancora in movimento, le labbra aperte su una parola mai nata.

Poi si volta. Esce. Non guarda indietro. Non serve.

Sub-Zero vince. Non perché è più forte. Non perché è più potente. Vince perché è più spietato.

Aquaman combatte per difendere. Sub-Zero combatte per cancellare. E in uno sport – o in una guerra – dove l’obiettivo è ridurre l’avversario a nulla, la cancellazione batte la difesa sette giorni su sette.

Potrei sbagliarmi. Potrei aver sottovalutato la resistenza atlantidea. Potrei aver dimenticato che Aquaman ha retto colpi di Darkseid e non è morto. Potrei aver ignorato che il tridente è un’arma divina, capace di trafiggere qualsiasi difesa.

Ma il combattimento non è matematica. Non è somma di poteri. È volontà. È fame. È quella luce negli occhi di chi non accetta l’idea di perdere.

E Sub-Zero quella luce ce l’ha. Fredda, azzurra, immortale.

Aquaman ha il mare. Sub-Zero ha il silenzio che viene dopo.

Lo so chi vince. Lo sappiamo tutti.

Ora qualcuno apra quella gabbia e scongeli il re. La prossima volta, porti l’oceano con sé.

Chi è la combattente migliore: Electra o Lady Shiva?

Se parliamo di ferocia, di strada, di sangue vero, non c’è partita. E non mi nascondo dietro giri di parole: Lady Shiva spazza via Electra in tre secondi, le fa il nodo al collo e la appende al gancio della morte prima che Electra capisca da che parte è arrivato il vento.

Ma aspetta. Mettiamo in pausa l’istinto primordiale. Perché qui non stiamo parlando di due lottatrici qualsiasi. Stiamo parlando di due creature nate dalla penna di uomini che la violenza la conoscevano bene: Frank Miller e Dennis O’Neil. Due mondi diversi. Due livelli di crudeltà. Due pesi massimi che però, se salissero nello stesso Ottagono, produrrebbero una carneficina che nemmeno l’UFC avrebbe il coraggio di autorizzare.

Partiamo da Electra Natchios. Assassina addestrata, ninja, padrona dell'uso del sai, capace di uccidere con un capello, di sparire nell’ombra, di leggere il corpo dell’avversario come fosse un libro di testo scritto in greco antico. Il suo stile è arte marziale pura, acrobatica, elegante. Il suo problema? È ancora troppo umana. Troppo legata all’emozione, al rimpianto, al dramma interiore. Electra combatte con il cuore. E in strada, il cuore è un peso morto.

Poi c’è Lady Shiva. Lei non è umana. Lei è la morte che cammina. Shiva non è un’assassina: è la perfezione biologica applicata alla violenza. Non combatte per denaro, per vendetta, per giustizia. Lei combatte per scoprire se esiste qualcuno in grado di ucciderla. Il suo corpo è un’arma talmente affilata che persino Batman – Batman – l’ha guardata e ha pensato: “Forse è meglio evitare”.

Ora, ipotizziamo l’incontro.

Nelle arti marziali miste, ci sono tre fasi: piedi, clinch, terra. In tutte e tre, Lady Shiva è superiore. Non di poco. Superiorità genetica.

In piedi: Electra ha un background nella muay thai e nel ninjutsu, movenze fluide, colpi rotanti, sai affilati. Ma Shiva non usa armi. Lei è l’arma. Ha imparato ogni arte marziale esistente leggendola, guardandola una volta sola. Ha battuto Richard Dragon, il maestro dei maestri. Ha spezzato le costole a Batman. Ha insegnato a Cassandra Cain – la migliore combattente corpo a corpo dell’universo DC – come uccidere un uomo con un dito. In piedi, Electra potrebbe anche piazzare un colpo. Uno. Poi Shiva legge la traiettoria, si abbassa, entra in distanza e le frantuma la gabbia toracica con un colpo secco al plesso solare.

Clinch: Qui finisce la poesia. Electra è abituata a combattere a distanza, a colpire e scivolare via, a usare l’ambiente. Ma Shiva non ti dà respiro. Lei ti incolla, ti piega, ti spezza l’equilibrio. Nel clinch, il suo controllo del centro è assoluto. Ti tiene fermo e ti martella il fegato finché non vomiti sangue. Electra non ha armi nel clinch. Solo la disperazione.

Terra: Supponiamo – per pura ipotesi accademica – che Electra riesca a portare Shiva a terra. Cosa impossibile, perché Shiva ha un centro di gravità tale che sembra piantata nel cemento armato. Ma anche se succedesse, Shiva conosce il silat, lo judo, l’hapkido, il bjj brasiliano, il luta livre, qualsiasi arte di sottomissione tu possa nominare. La conosce meglio di te. Electra in guardia chiusa è come una zebra nelle fauci di un leone: può scalciare, può dimenarsi, ma il risultato è scritto.

E poi c’è il fattore psicologico. Electra combatte per amore, per colpa, per onore. Shiva combatte perché respirare è combattere. Non prova rabbia, non prova paura, non prova pietà. Guarda il tuo corpo come un anatomopatologo guarda un cadavere: con interesse scientifico. “Ah, interessante, il femore umano si rompe così.” E mentre tu sei a terra con la gamba spezzata, lei è già annoiata, in cerca della prossima sfida.

Electra è stata uccisa. Più volte. È resuscitata, è tornata, ha pianto, ha amato. È un personaggio tragico. Lady Shiva non è mai morta. Non perché sia invincibile, ma perché è troppo difficile da prendere. Lei è la predatrice. L’altra è la preda.

Quindi, chi vince? Lady Shiva, per distacco.

Ma attenzione: non fraintendermi. Electra è una combattente leggendaria. Nel suo mondo, nel contesto Marvel, è un’arma letale. Ha affrontato Bullseye, ha tenuto testa a Daredevil, ha ucciso uomini con meno di un respiro. È velocissima, letale, affascinante. Ma se la butti nell’Ottagono con Shiva, esce in barella. Non c’è vergogna in questo. È solo il peso specifico della crudeltà.

Shiva non è la migliore perché è più forte. È la migliore perché ha eliminato ogni variabile umana dal suo stile di combattimento. Non ha esitazione, non ha dubbio, non ha paura. Ha solo la morte che aspetta. E quando incontra un avversario, lo guarda e dice: “Fammi vedere se oggi è il giorno in cui qualcuno mi restituisce il favore.”

Electra non è quel giorno.

Quindi la risposta è secca, senza infingimenti. Lady Shiva è la migliore. E se qualcuno non è d’accordo, lo aspetto sul tatami. Portate i paramani. O forse no. Forse portate un’ambulanza.