Le 10 versioni malvagie di Spider-Man più terrificanti (e affascinanti) del Multiverso

C'è un'immagine che perseguita i fan di Spider-Man da decenni: il volto dell'eroe amichevole di quartiere che si trasforma in qualcosa di oscuro, spietato, a volte mostruoso. Non è un caso che nella mia lista delle versioni malvagie di Spider-Man siano finite creature che hanno reso l'Uomo Ragno un incubo, non più un sogno. Perché la vera domanda non è "quali sono i più forti?", ma "quali sono i più terrificanti?".

In questo articolo esploriamo alcune delle trasformazioni più affascinanti e inquietanti del nostro eroe, quelle che hanno messo in discussione non solo i suoi poteri, ma la sua stessa umanità.

10. Spider-Lizard: il dottor Connors che creò il mostro

Un incrocio tra due dei più iconici personaggi della Marvel. In una delle tante avventure della continuity classica, Peter Parker viene ridotto in fin di vita da Kingpin e salvato dal dottor Connors, l'alter ego di Lizard. Il problema? La macchina usata per curarlo altera l'umore di Peter, e la ripetuta esposizione lo trasforma in una versione rettiliana e selvaggia di se stesso . Il risultato è Spider-Lizard: Peter Parker con i poteri di ragno e l'aspetto mostruoso del suo nemico. Un classico caso di "eroe che diventa ciò che combatte". Fortunatamente, sarà lo stesso dottor Connors a trovare un antidoto e a riportare tutto alla normalità, ma l'immagine di Spider-Man che perde il controllo rimane iconica.

9. Spider-Man di Last Stand: l'eroe che uccise e morì per le sue scelte

In un futuro alternativo (Terra-312500), Peter Parker uccide Kraven il Cacciatore per vendicare la morte di due suoi amici. Questa decisione, presa in un momento di dolore, lo trasforma in un vigilante spietato, senza più il codice morale che lo aveva sempre distinto . La sua storia è un monito: in una visione di Madame Web, il Peter Parker classico assiste alla morte del suo io alternativo, ucciso dalla polizia dopo essersi rifiutato di arrendersi . È uno Spider-Man che paga con la vita la scelta di abbandonare la via del "grande potere e grandi responsabilità".

8. Poison: quando il simbionte divora l'eroe

La storia di Poison (Terra-70134) è una delle più contorte e affascinanti dell'universo Marvel. Dopo un combattimento contro Morlun, Peter Parker viene rinchiuso in un bozzolo, dove la sua essenza di ragno si manifesta come un'entità chiamata "The Other" . Quando il simbionte Venom, attratto da questa trasformazione incompleta, si fonde con ciò che rimane di Peter, nasce Poison: un essere che ha sconfitto Wolverine e Luke Cage contemporaneamente, e che gli Avengers stessi faticano a riconoscere come una minaccia.

7. Il Simbionte Nero: l'eroe sul confine dell'oscurità

Questa è la versione più iconica, quella che tutti ricordano. Dopo gli eventi di Secret Wars, Peter Parker torna sulla Terra con un costume nero che si rivela essere un simbionte alieno. Inizialmente, pensa che sia solo una tuta avanzata, ma presto scopre che lo rende più aggressivo, più impulsivo, quasi cattivo . La lotta per liberarsi del simbionte, culminata nella famosa scena della chiesa che ispirerà il film di Sam Raimi, dà inizio all'intera mitologia dei simbionti Marvel. È la prova che anche l'eroe più puro può essere corrotto, se gliene viene data l'occasione.

6. Superior Spider-Man: quando il villain è più eroe dell'eroe

Superior Spider-Man è forse la versione più affascinante e controversa di tutte. In questa storia, il Dottor Octopus, morente, scambia la sua mente con quella di Peter Parker, prendendo possesso del suo corpo . Otto Octavius, però, non si limita a fare il villain: rivive i ricordi di Peter e comprende per la prima volta il vero significato della frase "da grandi poteri derivano grandi responsabilità" . Cerca di essere un degno sostituto, ma la sua natura violenta lo porta a "ripulire" i criminali con metodi brutali, a creare un esercito personale di villain e a trasformarsi in un eroe autoritario. Con le sue zampe robotiche e un design fighissimo, è una versione che mescola il meglio (o il peggio) di Spider-Man e del Dottor Octopus.

5. Zombie Spider-Man: l'eroe che mangia i suoi cari

Nell'universo di Terra-2149, una piaga zombie infetta gli eroi Marvel. Spider-Man, come molti altri, viene trasformato in un non-morto. Ma la sua storia è la più tragica di tutte: nella sua fame insaziabile, mangia sua moglie Mary Jane, sua zia May e persino J. Jonah Jameson . È la versione più drammatica e devastante dell'Uomo Ragno, perché mette in scena la perdita di tutto ciò che gli è caro, trasformandolo in un mostro che divora ciò che ama.

4. Ghost Spider: quando lo spirito della vendetta si unisce al ragno

Su Terra-11638, zio Ben non muore mai e diventa il mentore di Peter. Questo Spider-Man, ricco e con le sue Parker Technologies, inizia a viaggiare tra i multiversi per rubare i poteri di altre versioni di se stesso. Il Peter Parker classico, incontrandolo, lo sconfigge e lo mette in coma. Ma la storia non finisce qui: la sua anima viene spedita all'inferno, per poi essere salvata dallo Stregone Supremo di quel mondo, che gli dona i poteri del Ghost Rider. Nasce così il Ghost Spider, un essere con fiamme blu e il potere dello spirito della vendetta, con un design che ricorda molto il Ghost Rider .

3. Dark Spider-Man: quando Scorpion diventa l'Uomo Ragno

Questa è una versione particolarmente inquietante. Parliamo di Mac Gargan, l'originale Scorpion, che in una delle sue storie si lega al simbionte Venom . Gargan è molto più crudele e psicopatico di Eddie Brock, e quando Norman Osborn prende il controllo dello S.H.I.E.L.D., lo trasforma nel suo "Spider-Man" personale, parte dei Dark Avengers . Questa versione mangia le persone, è senza scrupoli e rappresenta il lato più oscuro del simbionte: una creatura che non cerca vendetta o giustizia, ma solo puro istinto.

2. Patton Parnel: l'incubo horror del Ragno

Su Terra-51412, Patton Parnel è un ragazzo vittima di abusi da parte di suo zio. Quando viene morso da un ragno radioattivo, non ottiene i poteri classici: gli crescono zanne, occhi in più, braccia extra e una fame insaziabile . Inizia a mangiare topi, gatti, il suo bullo, e infine uccide suo zio con la frase: "Se mi hai insegnato qualcosa, zio Ted, è che da un grande potere deriva un grande appetito!" . Patton diventa un mostro inarrestabile, inseguito e ucciso da Morlun, ma non prima di aver infettato la sua compagna di classe con le sue uova di ragno . Una storia che trasforma l'origine di Spider-Man in un incubo horror.

1. The Spider: quando Carnage indossa la maschera di Spider-Man

Su Terra-15, Peter Parker è un serial killer con i capelli rossi, una versione speculare di Cletus Kasady (Carnage) . Il suo simbionte si chiama semplicemente "Spider", e insieme rappresentano una minaccia devastante: 67 sentenze di morte sulla testa. Con un design che ricorda Deadpool e l'originale simbionte, The Spider è il mix letale tra l'intelligenza di Peter Parker e la psicosi omicida di Carnage. Un personaggio che incarna il lato più oscuro dell'Uomo Ragno, quello che non si ferma davanti a nulla.

Qual è la versione più terrificante?

La lista è variegata: ci sono eroi caduti, mostri, psicopatici, esseri potenti. Se dovessi scegliere la più affascinante, direi il Superior Spider-Man per la sua complessità . Ma se parliamo di puro terrore, Patton Parnel vince a mani basse: è l'incubo di Spider-Man che diventa il mostro di un film horror . E voi, quale versione malvagia di Spider-Man vi ha colpito di più?

Spider-Man 2099: L'Uomo Ragno del Futuro Marvel

 

Nel 1992, la Marvel decise di guardare avanti, molto avanti. L'idea era quella di creare un'intera linea editoriale ambientata nell'anno 2099, un futuro distopico in cui le mega-corporazioni avevano sostituito i governi e il concetto di supereroe era stato dimenticato . Era in questo mondo cupo e iper-tecnologico che nasceva una delle reincarnazioni più amate dell'Uomo Ragno: Spider-Man 2099.

Non si trattava di Peter Parker che invecchiava; il suo vero nome era Miguel O'Hara, e la sua storia era un perfetto mix di scienza, tragedia e ribellione, che lo rendeva il perfetto eroe per il suo tempo .

La genesi dei poteri di Miguel è molto diversa dal classico morso di un ragno radioattivo. In un futuro dove l'America è dominata dalla corporazione Alchemax, Miguel è un brillante genetista di origini irlandesi e messicane . La sua ossessione è replicare le abilità dell'Uomo Ragno originale, di cui esistono solo frammenti di documenti storici, per creare dei "super soldati" per l'Alchemax .

Tuttavia, quando un esperimento causa la morte di un soggetto di prova, Miguel decide di lasciare l'azienda. Per costringerlo a restare, il suo superiore, Tyler Stone, lo droga con la "Rapture", una droga geneticamente modificata di cui solo l'Alchemax può fornire l'antidoto . Disperato e determinato a non diventare uno schiavo, Miguel si introduce di nascosto nei laboratori per usare la macchina per il "splicing" genetico per riscrivere il suo DNA e rimuovere la dipendenza .

Ma il sabotaggio di un collega geloso trasforma il suo piano in un incubo. La macchina, invece di guarirlo, riscrive il 50% del suo codice genetico con quello di un ragno . Miguel sopravvive, ma si ritrova con un nuovo corpo e poteri inaspettati.

I poteri di Miguel O'Hara non sono una copia esatta di quelli di Peter Parker. L'esperimento genetico lo ha reso un mutato, dandogli abilità che riflettono la sua natura più predatoria e letale . La sua forza, velocità, agilità e riflessi sono sovrumani e, in certi aspetti, superiori a quelli del suo predecessore . Possiede anche una vista notturna potenziata e un fattore di guarigione accelerato .

La differenza più marcata sta nei suoi artigli. Miguel ha dei lunghi artigli sulla punta delle dita e dei piedi, che gli permettono di arrampicarsi sui muri e di squarciare i nemici . Inoltre, le sue ragnatele non sono un prodotto chimico sparato da lanciatori, ma sono organiche, prodotte da ghiandole nei suoi avambracci . Forse l'aspetto più affascinante è la sua abilità di iniettare un veleno paralizzante attraverso dei piccoli canini. Un morso di Spider-Man 2099 può essere letale o paralizzante a seconda della dose .

Per nascondere la sua nuova identità e sfuggire alla caccia dell'Alchemax, Miguel non si crea un costume da zero. Indossa un bodysuit di stoffa a molecole instabili (UMF) che aveva precedentemente usato per il festival del Giorno dei Morti . Questa scelta si rivela geniale, poiché il tessuto è l'unico materiale che i suoi nuovi artigli non riescono a lacerare.

Oltre alla sua funzionalità, il costume è un potente simbolo: i colori sgargianti e la maschera dal teschio non sono solo un omaggio alla sua cultura messicana, ma lo rendono un'icona riconoscibile, destinata a incutere terrore nei cuori dei corrotti . Un dettaglio interessante è la "pinna" o aliante, che lo aiuta a planare e a manovrare in aria tra i grattacieli di Nueva York.

Nella sua lotta contro il potere costituito, Miguel incontra una galleria di nemici che sono una versione distorta e tecnologica dei classici villain di Peter Parker . Affronta il Venom di questo futuro, Kron Stone , e il terrificante Carnage 2099 . Come il suo predecessore, non è solo: si allea con altri supereroi di quest'epoca oscura, come il Destino 2099, i futuri X-Men e il Punitore, per difendere Nueva York dalle minacce che la assediano .

Dopo decenni di avventure nei fumetti, Spider-Man 2099 ha ottenuto la fama che merita grazie al cinema d'animazione. Il suo debutto sul grande schermo è avvenuto nei film di "Spider-Man: Un Nuovo Universo", dove la sua voce è stata prestata da Oscar Isaac . In queste pellicole, il personaggio ha mantenuto la sua essenza determinata e severa di uomo di scienza, ma è stato reinterpretato come un'incrollabile figura autoritaria delle "canon" del multiverso . La sua popolarità è esplosa, rendendolo uno dei volti più iconici e attuali dell'universo Marvel.

Fantaman: il vero primo supereroe del mondo (e la sua storia incredibile)

 

Nel panorama dei supereroi, c'è un nome che merita un posto d'onore: Fantaman. Conosciuto in Giappone come Ōgon Batto (il Pipistrello Dorato), questo personaggio dal volto a forma di teschio e il corpo dorato non è solo un cult degli anni '80, ma è considerato il primo supereroe giapponese della storia e, probabilmente, il primo supereroe del mondo, nato addirittura prima di Superman.

La storia di Fantaman è atipica e affascinante. Il personaggio debuttò negli anni '30, non nei fumetti ma nel kamishibai, il "teatro di carta": spettacoli ambulanti in cui un narratore raccontava storie accompagnandosi con immagini su un palco di legno . Nel 1930, Takeo Nagamatsu (18 anni) e Ichiro Suzuki (20 anni) crearono il personaggio ispirandosi a figure mitologiche viste in un museo. Il nome lo presero da un pacchetto di sigarette giapponesi, le Golden Bat .

Il personaggio fu talmente popolare da sopravvivere al declino del kamishibai dopo la guerra, per poi diventare manga e, infine, anime . Nel 1964-65 Koji Kata (testi) e Daiji Kazumine (disegni) realizzarono il manga in due volumi , e nel 1967 la TCJ produsse l'anime di 52 episodi .

La serie arrivò in Italia nel 1981, trasmessa sulle reti locali . A differenza dei più famosi robottoni di Go Nagai, Fantaman non ebbe la stessa visibilità nazionale: fu distribuito sulle reti locali, non sul circuito Rai nazionale . Tuttavia, la sigla italiana rimase nel cuore di chi lo guardava. "Ma c'è un uomo, forte, con un nome fantastico...", cantava la sigla, accompagnata da una risata terrificante che preannunciava il suo arrivo. 

Chi è Fantaman?

La storia inizia con la spedizione del dottor Corallo in Antartide alla ricerca di Atlantide . La nave viene affondata da un mostro, e l'unica superstite è la figlia Maria (di origini italiane) . Salvata dal dottor Steele, da suo figlio Terry e dall'assistente Gaby, il gruppo approda su un'isola che scoprono essere Atlantide. Qui, seguendo antichi geroglifici, trovano il sepolcro di Fantaman. Maria versa dell'acqua nella tomba e risveglia l'antico eroe atlantideo dal suo sonno millenario .

Fantaman è un essere quasi invulnerabile :

• Può volare

• Ha forza sovrumana

• Possiede un bastone magico, usato come arma

• Può evocare fulmini e causare piccoli terremoti 

• Il suo arrivo è preceduto da un pipistrello dorato e da una risata sardonica 

• La sua unica debolezza: se disidratato perde poteri 

Il dottor Zero, uno scienziato pazzo con quattro occhi e un uncino meccanico al posto della mano, cerca di conquistare il mondo . Il suo grido di battaglia, "Il mondo è mio!", e la sua risata diabolica si ripetono in ogni episodio .

Fantaman è il primo supereroe giapponese, nato nel 1931 (otto anni prima di Superman, dodici prima di Batman) . Anche se più noto come "pipistrello dorato" che come teschio, questo personaggio ha influenzato l'estetica di molti eroi nipponici successivi . Un'eredità che, tra sigle indimenticabili e atmosfere gotiche, continua a brillare nel cuore di chi l'ha amato .

Muteking: l'eroe sui pattini che ha fatto ballare una generazione

 

C'è un eroe, tra i tanti robottoni degli anni '80, che non volava, non sparava raggi laser e non aveva un'armatura di acciaio. Indossava pattini a rotelle, un costume sgargiante e combatteva il crimine a suon di evoluzioni acrobatiche. Il suo nome è Muteking, e per molti italiani rappresenta uno dei ricordi più divertenti e surreali dell'animazione giapponese. 

La serie, il cui titolo originale è Tondemo Senshi Muteking (letteralmente "l'assurdo guerriero Muteking"), è una produzione Tatsunoko del 1980, composta da 56 episodi.  La storia è un mix esplosivo di fantascienza e commedia demenziale, una formula che la Tatsunoko aveva già sperimentato con successo in altre serie dell'epoca. 

Il protagonista è Linn (Lin nel doppiaggio italiano), un ragazzino di 12 anni che vive a San Francisco con la sua famiglia. Un giorno, nel suo giardino precipita un'astronave aliena. Dall'oggetto volante non identificato esce Takoro, un polpo rosa che si presenta come il vice-sceriffo intergalattico del pianeta Tako. 

La missione di Takoro è catturare quattro pericolosi criminali intergalattici, i Fratelli Piovra (in giapponese "Tako" significa polpo), che hanno messo gli occhi sulla Terra. Per riuscire nell'impresa e ottenere una promozione, Takoro ha un'idea: trasformare Linn in un supereroe grazie a un raggio speciale che solo lui può emettere. 

Nasce così Muteking, un guerriero dai colori sgargianti (rosso, giallo e blu) che combatte su pattini a rotelle, armato di un'asta allungabile, con una forza sovrumana e un'agilità da acrobata. 

Ciò che rende Muteking unico è la sua natura "ibrida". La trasformazione da bambino in adulto, con tanto di rituale e cambiamento di look, era tipica delle serie magiche per ragazze (il cosiddetto genere maho shojo), ma molto meno comune per un protagonista maschile. 

Linn, da ragazzino normale, si trasforma in un giovane muscoloso e affascinante di cui Takomi, la sorella Piovra, si innamora perdutamente. Le gag visive e le coreografie, spesso accompagnate da musica disco in pieno stile anni '80, rendono il tutto esilarante e surreale. 

Il fatto che il costume di Muteking sia volutamente sopra le righe e che i combattimenti siano spesso più coreografici che violenti, contribuisce a creare un'atmosfera leggera e ironica, perfetta per bambini e bambine. 

Dopo oltre quarant'anni, Muteking è tornato sugli schermi. Nel 2021, Tatsunoko Production e Tezuka Production hanno realizzato un reboot della serie intitolato Muteking the Dancing Hero. 

La nuova versione, composta da 12 episodi, trasforma l'eroe in un ballerino che combatte i mostri a suon di musica, in un'ambientazione urbana e contemporanea. La sigla di apertura, "Labyrinth" degli Orange Range, e la colonna sonora moderna riflettono il nuovo tono della serie, più vicino alla cultura club e al pop contemporaneo rispetto all'originale. 

Se l'originale del 1980 rimane una pietra miliare dell'animazione giapponese e un cult per gli appassionati, il reboot del 2021 dimostra come la figura di Muteking, l'eroe sui pattini che combatte con balli e acrobazie, sia in grado di adattarsi ai tempi e di conquistare nuove generazioni di spettatori. 

Family Compo: Quando la famiglia sfida le convenzioni

 

C'è un manga, tra i tanti, che merita di essere riscoperto. Un'opera che parla di famiglia, identità e accettazione in un modo che, nonostante gli anni, riesce a essere ancora attuale e profondamente toccante. Sto parlando di Family Compo del maestro Tsukasa Hojo, l'autore di Occhi di Gatto e City Hunter . Un'opera che, lontana dagli inseguimenti e dalle sparatorie dei suoi precedenti capolavori, si addentra nei meandri più intimi della vita quotidiana , sfidando le convenzioni con ironia e delicatezza.

Per comprendere appieno il valore di quest'opera, bisogna fare un passo indietro. Tsukasa Hojo, dopo il successo planetario di City Hunter, avrebbe potuto tranquillamente continuare a cavalcare l'onda dei suoi personaggi più celebri . Invece, nel 1996, decise di rischiare . Sulla rivista Manga Allman iniziò la serializzazione di una storia che, almeno in apparenza, sembrava un azzardo . Abbandonando l'azione e l'avventura, Hojo scelse di raccontare il dramma di un ragazzo che si ritrova catapultato in una famiglia dove i ruoli di genere sono completamente ribaltati.

L'opera non fu un successo commerciale, soprattutto in confronto ai precedenti best seller dell'autore, forse proprio a causa delle delicate tematiche che affrontava . Tuttavia, il fatto che esista un'opera del genere, firmata da uno dei mangaka più famosi al mondo, resta di per sé notevole. Family Compo è un atto di coraggio e di fede nel potere delle storie. La visione di Hojo sulla famiglia è diventata un precursore di discorsi che oggi sono più che mai attuali.

La storia inizia con una tragedia. Masahiko Yanagiba è un ragazzo di 18 anni che si ritrova completamente solo dopo la morte del padre in un incidente . La madre è morta quando lui era piccolo . Proprio quando sembra che ogni speranza sia perduta, alla sua porta si presenta una donna bellissima che si presenta come sua zia, Yukari Wakanae . La donna, che Masahiko non ha mai conosciuto, lo invita a trasferirsi a casa sua e della sua famiglia per permettergli di continuare gli studi .

Il ragazzo accetta, convinto di andare a vivere in una famiglia tradizionale composta dalla zia, dal marito Sora e dalla cugina Shion . La realtà, però, è molto diversa da ciò che si aspetta. Appena varcata la soglia di casa, Masahiko scopre l'inaspettata verità: nella famiglia Wakanae i ruoli di genere sono completamente ribaltati . La bellissima zia Yukari è in realtà un uomo che vive pienamente come una donna, mentre suo marito Sora è una donna che vive come uomo ed è un famoso mangaka . E Shion, la cugina, ha un genere che rimarrà un mistero per tutto il manga, alimentando equivoci e situazioni esilaranti.

Family Compo è molto più di una commedia degli equivoci. L'opera di Tsukasa Hojo lancia un messaggio profondo e universale: il valore di una famiglia non è definito dalla biologia o dalle convenzioni sociali, ma dall'onestà, dal rispetto reciproco, dall'accettazione e dal sacrificio profondo. La famiglia Wakanae, pur nelle sue stranezze, è straordinariamente unita e affettuosa.

Come è stato osservato, l'opera dimostra che una famiglia sana e felice non è quella definita dalla biologia o dalle convenzioni sociali tradizionali, ma è basata su valori come l'onestà, il rispetto reciproco e l'accettazione. Un messaggio che, a distanza di anni dalla sua pubblicazione, continua a essere attuale e necessario, ricordandoci che l'identità di una persona e il valore di un legame affettivo non devono essere validati da un documento di identità, ma dalla sincerità dei sentimenti.

La Pi-Kar: L'auto volante che ha rivoluzionato le avventure di Pikappa

Nel vasto universo del fumetto Disney italiano, pochi oggetti sono riusciti a diventare iconici quanto l'auto di Paperinik. Dopo la celebre 313, negli anni '90 la Pi-Kar è arrivata a rivoluzionare il concetto di "mezzo di trasporto" per il supereroe papero, portando con sé un'estetica futuristica e una tecnologia che sembrava uscita da un sogno fantascientifico.

 La Pi-Kar fa la sua prima comparsa nel numero 0/3 di PKNA - Paperinik New Adventures, intitolato Xadhoom!, pubblicato nel 1996. Il suo arrivo è segnato da un evento drammatico: la fedele 313-X, l'auto di Paperino precedentemente modificata da Archimede Pitagorico, viene gravemente danneggiata durante uno scontro con Xadhoom, l'aliena dai poteri stellari che in quel momento sta seminando il caos a Paperopoli. È proprio in questo contesto di emergenza che l'intelligenza artificiale Uno mostra a Pikappa il Livello segreto della Ducklair Tower dove Everett Ducklair custodiva i suoi prototipi più avanzati. Ed è lì che il nostro eroe vede per la prima volta la sua futura auto, ancora da ultimare.

Il nome stesso, "Pi-Kar", è un geniale gioco di parole che unisce l'abbreviazione "PK" (Paperinik) e l'inglese "car" (automobile), suggerendo la sua natura di veicolo personalizzato e futuristico.

Il design e le specifiche della Pi-Kar sono un concentrato di tecnologia all'avanguardia, degna del genio di Everett Ducklair. La vettura è realizzata in metallo mutageno, lo stesso materiale che compone molte delle invenzioni del miliardario, che le consente di adattarsi automaticamente alle misure del pilota.

Il cuore pulsante del mezzo è un motore alimentato a monometilidrazina, il propellente utilizzato dagli shuttle spaziali, capace di sviluppare una potenza di 900 cavalli su qualsiasi tipo di terreno e una velocità massima di 421 km/h.

Le sue capacità più spettacolari sono descritte come le caratteristiche di un veicolo "che naturalmente vola e sa fare mille altre cose mirabolanti", donando a Paperinik una mobilità completamente nuova rispetto alla 313. L'auto è interfacciata direttamente con Uno, il che permette una guida ottimale anche in condizioni di visibilità nulla.

La Pi-Kar è dotata anche di un sistema di sicurezza innovativo: un airbag elettromagnetico che, in caso di impatto, avvolge il guidatore in una bolla di elettroni polarizzati, proteggendolo da qualsiasi urto. Come se non bastasse, l'auto possiede un meccanismo eiettabile che consente a Pikappa di cavarsela anche nelle situazioni più estreme e pericolose, come dimostrato anche dal recente gadget in edicola.

La Pi-Kar non è solo un mezzo di trasporto: è un simbolo del salto di qualità che PKNA ha rappresentato per il fumetto Disney. La sua comparsa ha segnato il passaggio da un Paperinik "di quartiere" a un supereroe spaziale, in un'epoca in cui il personaggio si è evoluto in Pikappa.

A trent'anni dal suo debutto, la Pi-Kar è tornata alla ribalta per i festeggiamenti dell'anniversario. Nel luglio 2026, l'auto è stata riproposta come gadget in edicola, nella sua versione lunga 16 cm, accompagnando la storia celebrativa su Topolino. È anche protagonista del volume celebrativo che si inserisce nei trent'anni di Pikappa, dimostrando come questo veicolo abbia saputo conquistare il cuore dei lettori.

Come spesso accade in PKNA, i dettagli più tecnici sono stati oggetto di dibattito tra i fan: tra forum e discussioni, i lettori hanno analizzato la logica delle sue caratteristiche, dimostrando quanto fosse vivo il legame con questo universo narrativo. La Pi-Kar non è solo un oggetto, ma un pezzo di storia del fumetto italiano.

Candy Candy: il vero finale che i fan hanno sempre aspettato

 

Chi ha amato Candy Candy sa bene che il suo finale è stato per decenni fonte di infinite discussioni, lacrime e speranze. La storia dell'orfanella dai capelli biondi ha commosso intere generazioni, ma il suo epilogo ha lasciato un senso di insoddisfazione che ancora oggi riecheggia nei cuori dei fan.

Quella di Candy Candy è una delle opere più complesse e tormentate della storia dell'animazione. Per comprendere il vero finale, bisogna districarsi tra quattro versioni diverse della stessa storia.

1. Il finale del manga (1975-1979)

Nel manga originale, Candy scopre che il misterioso Principe della Collina, l'uomo che aveva incontrato da bambina e che l'aveva sempre protetta segretamente, è in realtà Albert (zio William). Candy e Albert si riuniscono e, anche se non viene esplicitamente detto, il finale lascia intendere che si sposeranno. Non è il lieto fine che molti speravano, ma rappresenta una scelta di amore maturo.

2. Il finale dell'anime (1976-1979)

Nell'adattamento animato di Toei Animation, il finale è ancora più amaro. Terry rimane con Susanna, che si era sacrificata per salvarlo durante un incidente teatrale, e Candy si ritrova sola sulla Collina di Pony. La serie si chiude con Candy che brinda e ripensa a tutti i suoi amori perduti.

Per anni, i fan hanno considerato questo finale ingiusto. La stessa autrice, Kyoko Mizuki, non fu mai soddisfatta del modo in cui la storia venne conclusa.

3. Il finale italiano (il "lieto fine" dei fan)

In Italia, il finale fu modificato in modo intelligente (ma anche un po' ingannevole). I doppiatori italiani usarono una voce fuori campo che lasciava intendere che Terry avesse lasciato Susanna e che Candy potesse finalmente ricongiungersi con lui. L'immagine finale di Candy che sale sulla collina venne accompagnata da un commento che alimentava la speranza di una riunione tra i due innamorati.

Non era un vero finale, ma una promessa. E per milioni di bambini italiani, quella promessa fu sufficiente.

4. Il finale del romanzo "Candy Candy Final Story" (2010)

Nel 2010, dopo anni di battaglie legali e tensioni con la disegnatrice Yumiko Igarashi, Kyoko Mizuki pubblicò un romanzo che avrebbe dovuto rappresentare il vero e definitivo finale della storia.

In "Candy Candy Final Story", la storia segue Candy fino ai trent'anni. La protagonista è ormai un'infermiera affermata e vive ad Avon, in Inghilterra. Ma il mistero più grande è l'identità di Anohito ("quel ragazzo"), l'uomo con cui Candy condivide la sua vita.

Chi è Anohito? Secondo l'autrice, Anohito è Terence. Mizuki, nel romanzo, costruisce la riunione attraverso tre elementi chiave:

1. Una lettera mai inviata di Candy a Terry, scritta anni dopo la loro separazione.

2. La notizia della morte di Susanna, che libera Terry dal suo impegno.

3. Una lettera di Terry a Candy in cui lui chiede di ricominciare.

Nell'epilogo, Candy viene raggiunta dal marito nella sua casa di Avon, e si abbracciano. Non viene mai rivelato esplicitamente il nome dell'uomo, ma i fan più attenti sanno che è Terry.

La confusione sui finali è solo una parte della storia. Le due autrici, Kyoko Mizuki (scrittrice) e Yumiko Igarashi (disegnatrice), finirono in tribunale per la proprietà dei diritti. Mizuki dichiarò che Igarashi stava pubblicando storie senza la sua approvazione. Il tribunale diede ragione a Mizuki, riconoscendo che la storia era sua al 50%.

Ma questo conflitto ebbe un costo: il manga e l'anime di Candy Candy non possono più essere pubblicati in Giappone dagli anni '90, e l'opera è stata di fatto congelata.

Dopo anni di confusione, l'ultimo romanzo ci dice che Candy e Terry tornano insieme. È il lieto fine che milioni di fan hanno sempre sognato. In un'intervista, Mizuki dichiarò: "Il mio cuore sembra ancora volare. Ma potevo davvero dire addio a questa questione. Questo è il vero finale per me".

Alla fine, Candy Candy ha quattro finali. Ognuno di loro ha qualcosa da dire:

• Il finale del manga parla di amore maturo e di accettazione.

• Il finale dell'anime parla di rinuncia e sacrificio.

• Il finale italiano parla di speranza.

• Il finale del romanzo parla di un amore che vince il tempo.

Qual è il vero finale? Forse la risposta è che tutti lo sono, ma la più autentica, quella voluta dall'autrice, è la storia di Candy e Terry che, dopo anni di dolore, si ritrovano e vivono felici. D'altronde, Candy si era sempre detta: "Crederò fino alla fine che un giorno il sole splenderà su di me". E quel sole, finalmente, è arrivato.